EL REINO
Riget

Esta nota, como todas las que suelo publicar en el blog, es otra mezcla de reseña, relevamiento, análisis, que no busca perseguir el afán siquiera, de convertirse en una crítica cinematográfica. Creo que podría describir este ejercicio que cada tanto, me dan ganas de hacer, como el fruto de la compulsión que siento de vez en cuando de conversar sobre una película que vi y me impactó, o de un libro que leí y me gustó, o de la música de una banda que me provocó algo nuevo. Que se yo, a mí me pasa eso: cuando veo una peli, una serie, o escucho algo que me llega en serio, me agarra una cierta necesidad de conversar sobre lo que vi u oí, buscar material, cosas que me ayuden a conocer un poco más, a, de algún modo, apropiarme de eso que tanto efecto me hizo.
El Reino fue, originalmente, una miniserie para televisión en cuatro episodios, y es una de esas series que cuando uno lee en una entrevista que el realizador (en este caso Lars Von Trier), filmó ante la necesidad de ganar unos pesos, provoca inevitablemente un poco de envidia.
La historia es realmente buenísima, derrocha rareza, y se vuelve minuto a minuto, más y más escalofriante. Creo que está bastante afectada por ese terremoto que fue Twin Peaks (1990, David Lynch), pero con El Reino, Lars Von Trier suma un poroto a su favor logrando convertir esta creación en una miniserie de culto.
Es una historia cargadísima, que no se detiene nunca, fuerte visualmente y muy fuerte de contenido. Se sacude con violencia y naturalidad entre el naturalismo más feroz, entre el terror, el drama y la comedia, y suma sorpresas con una intensidad que la hace única.
En 2004, la televisión yanqui estrenó una versión adaptada por Stephen King (Stephen King´s Kingdom Hospital, tuvieron el tupé de llamarla los muy caraduras). Habría que verla para poder criticarla o alabarla, pero la verdad, no me dieron ganas.

Riget 1:
Riget es un hospital de alta tecnología ubicado en una zona donde siglos atrás solo había pantanos. Allí, a la manera de las clásicas series yanquis de hospitales, médicos y pacientes llevan adelante sus vidas cotidianas con las maravillas y las dificultades que eso implica. Quien cuenta la historia, como decía antes, es un Lars von Trier muy influenciado por Twin Peaks... así que el resultado es un viaje violento en el que se cruzan los espíritus, el drama humano, el suspenso y el sentido del humor más descarnado y nihilista. Esta primera parte de la miniserie es un relato coral atravesado por una línea argumental básica que lo transita todo. Hay una fuerte interacción entre los personajes que pondrán en juego, a través de sus pasiones, pulsiones e intenciones, una serie de conflictos con un crescendo permanente. Y que encarnaran, a su vez, uno de los conflictos básicos planteado por la historia, aquél que enfrenta al espíritu y la materia.

Riget 2.
Parece que en un comienzo Lars von Trier no tenía intenciones de dirigir esta segunda parte de la serie, sino que pensaba dejar ese rubro en manos del co-director de la primera. Pero al tener finalizado el guión, cambió de idea. Para éste prescindió de uno de los tres guionistas de la primera, por lo que quedaron solo él y Niels Vørsel, con quien escribió su primera trilogía, aparte de estas dos miniseries. Luego, la intención de filmar más o menos rápido una tercera parte se malogró por la muerte de dos de sus actores, tal vez los personajes más potentes: Stig Helmer y la señora Drusse. Igualmente, pensando en los finales, resulta extraño esto. Porque en el final de la primera (que no pensaba continuar), impresionante por donde se lo mire, quedaban todas las líneas abiertas. Mientras que en el de la segunda, si bien quedan cosas a seguir, muchas otras se cierran claramente.

Hay mucho para decir de Riget. Muchísimos personajes, muchísimas secuencias, y una infinidad de detalles que solo pueden disfrutarse viendo la serie. Intentaré acercarles los links para que puedan verla completa, pero por ahora llegó el momento de despedirme.

Volviendo a lo que decía al principio, y a la ambigüedad que se me presenta al pensar en la dudosa utilidad de las notas de esta naturaleza, agregaría que quizás además de ser inútil, no lo es tanto. En primer lugar porque ya sabemos, a esta altura, que hay gente para todo, (como por ejemplo yo misma). Y en segundo lugar, porque realmente para los que nos gusta tanto el cine, hay pocas cosas tan buenas como encontrar unas líneas con las que conversar acerca de una película, o en este caso una gran miniserie, que nos haya impactado.

CHOCOLATE
(deja vú...)

Por supuesto quienes visitan de vez en cuando este blog ya deben haber notado mi atracción por las películas asiáticas. No sé bien cómo empezó a crecer adentro mío esta preferencia, pero asumo que mucho ha tenido que ver una especie de amor platónico que profesé hacia Bruce Lee desde que tenía 6 o 7 años. Me acuerdo de viajar con mi mamá en colectivos de larga distancia y esperar realmente ansiosa el momento que mi pobre madre mas odiaba: la aparición del VHS que prometía alguna película bizarra de artes marciales! Es cierto, era difícil dormir con los gritos de estos locos en plena pelea, pero cómo era posible que los demás intentaran dormir cuando semejantes piruetas se desplegaban en la pantalla? Con el tiempo fui notando que algunos como yo, se volvían más y más fanáticos y otros, simplemente no se sentían interesados en lo más mínimo en este tipo de cine. A quienes nunca le han gustado este tipo de películas, les sugiero hacer un último intento porque Chocolate lo vale, y a aquellos fieles seguidores del género como yo, les adelanto que no van a poder creer la increíble dinámica, velocidad y precisión de la joven JeeJa Yanin, protagonista de la película. Sí! Es una chica!

En Chocolate no hay dobles, y luego de los títulos finales es posible ver escenas del rodaje (muy divertidas) en las cuales se nota el enorme esfuerzo y talento de todo el reparto de actores.
Chocolate es de orígen tailandés y su director, Prachya Pinkaew, llegó a mi a través de Tom yum goong en el 2005. Desde que vi Tom yum goong hace unos años esperé ansiosa el próximo trabajo de Pinkaew y Chocolate, a pesar de tener un argumento bastante poco atractivo, me pareció de verdad excepcional.
En primer lugar, no importa que nos estén vendiendo un film de acción. Como sucede siempre o casi siempre con los films asiáticos, la estética y la fotografía son impecables y la historia, más allá de su contenido, está contada con tanta sensibilidad que lógicamente la película trasciende los límites de su género.
La protagonista, parece realmente muy joven. No logré averiguar su edad exacta pero no debe tener mas de 20 años y sí, pelea increíblemente bien. Tiene una técnica muy similar a la de Tony Jaa y en la película se la muestra fanática del actor (hay un juego intertextual que elige el director mediante el cual vemos a JeeJa siguiendo en la tele escenas de Tom yum goong). Además, es adicta al chocolate, a los videojuegos y es tremendamente fóbica a las moscas.
Su mamá está muy enferma y JeeJa a pesar de padecer un grado de autismo bastante importante desde pequeña, debe conseguir que aquellos hombres que le deben plata a su madre se la devuelvan para poder pagar los medicamentos y luchar contra la enfermedad que padece. Así es como se ve obligada a hacer uso de su habilidad y fuerza, cuando se da cuenta que estos tipos no son fáciles y no tienen intención alguna de pagar sus deudas.
Por mi parte, confieso esperar muy emocionada para ver como se las arreglan en Hollywood con la siempre probable idea de una remake. No va a ser tarea simple encontrar otra chica como JeeJa. Les dejo el trailer para que vean de qué se trata y decidan si la bajan o no.



Chocolate.2008.DVDRip.XviD-KMP.avi

Subtítulos

THE BOAT THAT ROCKED

Richard Curtis, director de este film, fue para quienes no lo conocen, guionista de películas como Notting Hill y Cuatro Bodas y Un Funeral. Pero The Boat That Rocked, en nada se parece a estas comedias románticas clásicas de los noventa. Está colmada de rock, apunta a otro público, y es una historia bastante más divertida y atractiva de ver por su vestuario, ambientación, banda sonora, y porque además, transcurre en medio del océano y eso la hace más disfrutable todavía.

La historia es un tributo a las emisoras piratas de música que funcionaron en Gran Bretaña durante los años sesenta, y produce por como se desarrolla el argumento, una cierta dosis de nostalgia por el swing y el color de aquellos tiempos. En la década del sesenta, la mejor del pop inglés, la BBC sólo emitía dos horas de rock and roll a la semana, pero las radios piratas inundaban el país con rock y pop las veinticuatro horas y veinticinco millones de personas, o sea más de la mitad de la población, las escuchaban día tras día mientras el gobierno intentaba prohibir su transmisión por todos los medios.

La película nos va metiendo en la piel de los dj's que conducen los diferentes programas de la radio, y desde este barco anclado en el mar del Norte, podemos disfrutar de dos horas de comedia y música en las que cada tanto, muy esporádicamente, aparece el drama.

La historia preponderante del film es la de Carl (Tom Sturridge), que es enviado al barco por su madre luego de ser expulsado del colegio, para reconsiderar su existencia en compañía de su padrino Quentin (personaje interpretado por Bill Nighy). Quentin maneja la emisora y está acompañado por un ecléctico grupo encabezado por "El Conde" (Philip Seymour Hoffman), un auténtico ídolo radial enamorado de la música, Dave (Nick Frost), irónico, inteligente y con un cruel sentido del humor; Simon (Chris O’Dowd), un chico amable que busca el amor verdadero; Midnight Mark (Tom Wisdom), enigmático y parco en palabras; Wee Small Hours Bob, especialista en programas de madrugada, música folk y drogas; Thick Kevin (Tom Brooke); On-The-Hour John (Will Adamsdale), el locutor de noticias; y Angus "The Nut" Nutsford (Rhys Darby), el hombre más pesado de Gran Bretaña. El guión está perfectamente estructurado y al menos a mí, por su ritmo, estética y calidad en los diálogos, me recordó mucho a The Life Aquatic With Steve Zissou de Wes Anderson, con mucha menos genialidad, claro, pero atractiva igualmente. El director alterna cortas secuencias entre las incansables gestiones del gobierno para prohibir la emisora, las divertidas situaciones que tienen lugar en el barco, y algunas imágenes rápidas de los oyentes de la radio disfrutando de la genial selección de música de estos locos fanáticos del rock. La escena final (por lo que aconsejo que la vean toda, si van a verla) es realmente buenísima, y le da a este film que no ha tenido muy gratas críticas pero a mi me gustó bastante, un aire de ejercicio revisionista del cine pop.

LET THE RIGHT ONE IN

Let The Right One In es un film sueco del director Tomas Alfredson que vi hace ya varios meses (después de habérmela perdido en el BAFICI del año pasado) pero que ha permanecido en mi retina y mi memoria por diferentes aspectos que pude rescatar de su excelente producción y de la gran actuación de sus protagonistas (Kare Hedebrant y Lina Leandersson). Este nuevo film de vampiros opacó, al menos a mi parecer, la expectativa que había puesto Hollywood en Twilight (Crepúsculo), película adolescente también de vampiros que arrasó con la taquilla en norteamérica y que se estrenó, con bastante éxito también, en nuestro país hace varios meses.

Let The Right One In, a pesar de ser una película de vampiros, excede esa temática y gira el sentido de la historia haciendo hincapié en temas como el amor, la amistad, la soledad, el abandono, y la renuncia. Cuenta la historia de Oskar, un niño introvertido de 12 años que está obsesionado con los asesinatos que han tenido lugar en su pueblo (de los que guarda recortes en un álbum personal) y que se ha convertido, justamente a consecuencia de su bajo perfil, en víctima del abuso de algunos de sus compañeros de la escuela. Mortificado por las humillaciones que vive, Oskar fantasea con asesinar a quienes lo maltratan, pero por falta de valor y probablemente también de maldad, no lo hace. Una noche, mientras está jugando solo en el jardín del edificio en el que vive, conoce a Eli, una niña también bastante introvertida y extraña, que a medida que avance el film, nos mostrará la realidad de su vida. La trama se transforma en una historia de amor, pero aspira en una primera instancia a ser una película de terror, que lidia además con temáticas complejas de la niñez y de los traumas de la infancia.

El film es un tanto predecible, sí, pero creo que tiene mucho para destacar. Los diálogos son escasos pero bellos, trémulos y algo crípticos, la narrativa es lenta pero precisa, la fotografía es realmente hermosa y los escenarios son gélidos, pero totalmente compatibles con la trama.

DETROIT METAL CITY

En Japón, y continuando con una tendencia que viene acrecetándose hace muchos años, no es extraño ver un manga que aparece de la nada, tiene muchísimo éxito, envuelve la ciudad con merchandising de todo tipo y a los pocos meses, termina invadiéndolo todo. Esto ha ocurrido con Detroit Metal City, al igual que con otros grandes éxitos como Death Note o Nana, ambos posteados en este blog en algún momento.

Detroit Metal City es un manga creado por Kiminori Wakasugi y publicado por primera vez en la revista Young Animal en el año 2005, pero que a fines de 2008, en manos del director Toshio Lee, llegó a la pantalla grande recreado con personajes reales. El nombre original del manga es, para los que ya lo notaron porque les gusta Kiss, una parodia de la cancion Detroit Rock City.

Negishi Souichi (interpretado por Kenichi Matsuyama, aquel que hacía de "L" en Death Note), es un chico tímido e introvertido que deja su tranquilo pueblo para ir a estudiar a una universidad en Tokio. Es una persona extremadamente sensible a la que le gustan las películas y canciones francesas, y que ama la música y disfruta de cantar y tocar la guitarra siempre con un estilo pop melódico hiper meloso. Pero resulta que Negishi es, secretamente, el líder de uno de los grupos más pesados del underground de Tokio: Detroit Metal City.

Lo llaman Johannes Krauser II y en cuanto se maquilla, se viste y toma la guitarra para salir a cantar junto con su banda, se transforma en una persona totalmente diferente. Al salir al escenario, Negishi se convierte en un psicópata obsceno, sádico y violento al que le gusta por ejemplo, abrir sus shows comiéndose algún murciélaguito o bicho del estilo.

Fuera del género pop romántico con el que Neghishi se siente identificado y con el que le encantaría poder hacerse famoso, los fans de Detroit Metal City enloquecen con las canciones brutales (compuestas por él) que no paran de disparar insultos y de desearle la muerte a todos, como el death metal indica que debe ser =)

Obviamente, la estética del grupo está altamente influenciada por bandas como Kiss o X Japan y la película es muy divertida porque está repleta de situaciones disparatadas y ridículas que los van a hacer reír mucho. Kenichi demuestra que como actor, es completamente camaleónico, y además es de destacar que el film está muy bien logrado en comparación con el manga (entre otras características mucho más notables para mencionar, me impresionó que con el maquillaje, Johannes Krauser II está igual en el film que en el manga original).

No se trata, valga la aclaración, de un film excelente ni mucho menos. Al principio, tal vez hasta les cueste un poco soportar la extrema sensibilidad de Negishi. Pero ahora ya saben, deben tener paciencia para verlo después, convertido en Johannes Krauser II! Además, lógicamente, hay una historia de amor que recorre el film y va llevando a Negishi a enfrentar todo tipo de situaciones divertidísimas.

Varios meses han pasado desde la última actualización en NOIEFILMEUNDMUZIK.
Como -lamentablemente- cada vez me ocurre más seguido, fue difícil encontrar el tiempo para sentarme a postear algo de lo que pude ver y escuchar durante este período de ausencia, pero volví, y ahora que estoy otra vez por acá, prometo comenzar a actualizar más seguido para acercarles una larga lista de pelis y discos que llegaron a mi estos últimos meses y que lógicamente, en mi opinión, no deberían dejar de disfrutar.

Qué suerte que cuando comienza la primavera la inspiración regresa, y quedan atrás los días grises y fríos del último invierno...

APOPTYGMA BERZERK

Don't you see we're in this together,

you and me one on one forever.

Try Again please, cause we are together in this.

Apoptygma Berzerk es una banda de orígen noruego que se formó en el año 1986 bajo la iniciativa de Stephan Groth (carismático lider de la agrupación) y Jon Erik Martinsen.

Años mas tarde, Jon Erik dejó el grupo ya que el estilo dance pop que estaba adoptando Apoptygma no era lo que le interesaba. Con un look un tanto gótico que fue evolucionando hacia un estilo con fuertes influencias del synthpop y futurepop, Apoptygma se convirtió en una agrupación multifacética a la hora de componer y de elegir canciones para reversionarlas.

La banda posee en su esencia, además, un fuerte sentimiento industrial y tecno y aunque parecen bastante fieles a su línea dance, el grupo ha hecho varias versiones eclécticas de grupos como Kraftwerk ("Ohm Sweet ohms"), The Velvet Underground ("All Tomorrow's parties"), Metallica ("Tasteless To Black" y "Nothing Else Matters"), The Cure ("A to rope Day") y OMD ("Electricity"). En el MCD "Paranoia" incluyeron la anecdótica versión ambient de "Nothing Else Matters" de Metallica que aparece escondida como bonus track después del ultimo corte.

El disco que más he escuchado de Apoptygma, "Sonic Diary", recoge versiones que han hecho estos noruegos de temas de las bandas que más han influído en su carrera y esta recopilación es una eficaz muestra de todos los estilos por los que ha pasado APB desde sus orígenes recorriendo el future pop, el techno pop e incluso el trance, hasta el electropop más guitarrero de sonidos ochentosos característicos de su etapa más reciente.

La versión de 'A Strange Day' de The Cure que apareció en "Unicorn" sorprendió al público por la potencia de sus guitarras, algo bastante impensable hasta ese momento en una banda como APB. Personalmente, los temas "Cambodia" de Kim Wilde, "Shine On" de The House of Love y "Bend and Break" de los británicos Keane, me resultan sumamente disfrutables y pegadizos.

Sonic Diary

Link1:
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Link2:
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You And Me Against The World

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IGO - SYNTH LOVE

IGO es el nombre de esta banda procedente de Shangai, China, cuyos únicos dos integrantes, JJay en la voz y B6 en los sintetizadores, son bastante jóvenes y poseen un talento excepcional. El estilo de Igo es muy auténtico pero se puede reconocer en su música la influencia de bandas como Kraftwerk, Depeche Mode, Fischerspooner y Alter Ego, entre otras.

Yo, personalmente, hace mucho tiempo no escuchaba nada dentro del género que me gustara tanto y creo que Igo es un dúo con un gran futuro. Claro que B6 cuenta con una carrera que lo respalda, a pesar de su corta edad ha sido productor de varios discos de artistas chinos y también se ha encargado de crear la música para una reconocida campaña publicitaria de la marca Nike. JJay, por su lado, dueño de una voz muy dulce y bastante influenciado por el glam-rock y el synthpop, fue vocalista de una banda de post-punk china llamada Bird On A Wire y no solo es el encargado de cantar los temas de Igo sino que además, escribe todas las letras.

Creo que este primer y único disco de Igo, Synth Love, posee un sonido maravilloso y merece difusión. Son varias las canciones que no puedo dejar de oír una y otra vez y sería muy bueno que alguien pensara en traerlos para tener la oportunidad de escucharlos en vivo!

http://rapidshare.com/files/156616574/IGO-Synth_Love-2008-FWYH.rar

RAINBOW EYES

Si hay un país en estos tiempos donde se gestan impactantes películas de suspenso, ese es sin lugar a dudas Corea del Sur. Una impecable estética acompañada de guiones rebuscados pero bien pensados más varias vueltas de tuerca y excelentes actuaciones, han logrado convertir al género del thriller coreano en uno de los más destacados.

Rainbow Eyes fue uno de los thrillers mas importantes del 2007, tiene un inicio más bien lento y minucioso en detalles, pero el desenlace se vuelve impactante cuando un joven policía, el (a mi gusto) bellísimo Kim Kang-woo debe ponerse al frente de la investigación del sangriento asesinato de un importante empresario. Las pruebas de sangre y capilares indicarán que éste era gay y de ello se deducirá que tuvo un encuentro con un hombre la misma noche de su muerte.
Así comenzará la investigación del asesinato y se irán atando cabos de la personalidad del asesino siendo el principal sospechoso de la muerte del mismo, casualmente, un viejo amigo de Kim Kang-woo.
Rainbow eyes es un film para ver, no quiero dar demasiados detalles pero sí recomendarla. Es una película plagada de guiños argumentales que se ha convertido sobre todo en su país de orígen, en un thriller bastante polémico debido a la tematica que toca.
A nivel técnico el film es sumamente dinámico, las actuaciones son muy buenas y su director, Yang Yoon-ho (Fighter in the Wind y Holiday), deja bien en claro que le sobra talento e ingenio para construir magníficamente un thriller arriesgado que ha logrado abordar, fuera de la temática policial, la idea del amor verdadero, en este caso entre dos hombres.

[假面].Rainbow.Eyes.DVDRip.XviD-PosTX.avi

Subtítulos

VOICES OF A DISTANT STAR

Debido a su calidad, muchos podrán pensar que "Voices of a Distant Star" es un gran trabajo de estudio. Sin embargo, se trata de una película realizada casi enteramente por un único artista: Makoto Shinkai. Imágenes evocadoras, diálogos minimalistas y una gran banda de sonido que capturan la esencia del gran amor existente entre dos personas divididas por una guerra.

Shinkai escribió, dibujó y dirigió la historia, además de animarla digitalmente durante casi un año. Incluso él y su novia proporcionaron las voces en la versión original, aunque posteriormente se creó una segunda versión en japonés con actores de voz profesionales. Fue Tenmon quien estuvo a cargo de la música ya que había trabajado junto a Shinkai en un estudio de videojuegos eróticos llamado Minori.

En el film, la Tierra está en guerra contra los tarsianos, una raza de alienígenas. La protagonista, Mikako, decide alistarse en las Fuerzas Armadas de las Naciones Unidas para pilotear una nave y luego de tomar esta decisión debe abandonar la Tierra dejando atrás a su amado amigo Noboru. A medida que el ejército sigue a los tarsianos en su retirada, Mikako se aleja cada vez más de Noboru, y cuanto más se aleja de la tierra, más tardan en llegar los mensajes de texto que manda desde su teléfono a su querido amigo. Finalmente, los mensajes tardan nada más y nada menos que ocho años en llegar, pero a pesar del tiempo transcurrido y de la enorme distancia, Noboru seguirá esperando la vuelta de Mikako.

Voices of a Distant Star es un film corto, de menos de media hora, pero atrapa porque los gráficos son increíbles y la historia, desde la simpleza y la dulzura, apela a la sensibilidad logrando demostrar cuánto puede resistir el verdadero amor, aún en tiempos de guerra.

The Voices of a Distant Star.avi